莫内：“印象”是日出那一瞬间的真实感受｜人与物
光和影的启蒙：“没有布丹，就没有莫内”
克劳德・莫内（CIaude Monet, 1840-1926），1840年11月14日出生在繁华的巴黎。莫内五岁时，与家人来到了法国西部诺曼第区的港口城市利哈佛（the port of Le Havre），在海边度过了十四年的时光。莫内十五岁左右，就以投稿速写漫画到当地报纸，而在利哈佛港小有名气。在莫内十八岁时，他认识了比他年长十六岁的画家尤金・布丹（E. Boudin, 1824-1898）。这位号称“天空大师”的画家，是法国最早在户外作画的艺术家之一，更有趣的是，他的画作虽然每每以海景为主题，但画布上往往有三分之二以上的空间描绘著天空，且特别强调描写云朵及日光。
布丹十分看好年轻的莫内，经常邀请他一起到海边画画。从那时候开始，莫内对海面上的、天空的，以至日出日落时间的光线那些惊人的变化越发留意，印象派画风最早期的光和影就在此孕育。莫内曾说：“我成为了画家，这要归功于尤金・布丹。”（If I became a painter, it is to Eugène Boudin that I owe that fact.）
印象主义和《印象・日出》
我们都喜欢称成熟期的莫内为“印象主义大师”，可是“印象派”这个称号最早却是出于取笑和嘲弄。1859年，莫内回到巴黎．在瑞士籍画家格莱尔（Charles Gleyre）的画室进修，但他的兴趣与当时学院的主流艺术（即现实主义）难以契合，两年后就走出了画室。继承老师布丹的影响，莫内始终钟情于自然的“光”、“色”、“影”与“变化”，他不喜欢当时现实主义以及巴比松学派（Barbizon school）的技法。离开学院后，莫内在巴黎近郊的阿让特伊（Argenteuil）找到居所。虽然当时他的画卖不出去，生活十分拮据，但这个小镇给他提供良好的创作环境，他在这里生活了六年。而在1874年，莫内联络毕沙罗（Camille Pissarro）、西斯莱（Alfred Sisley）、雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir）等被传统沙龙拒诸门外的艺术家，组成“无名艺术家、画家、雕塑家和版画家协会”（Cooperative and Anonymous Association of Painters, Sculptors, and Engravers），并举行了一次独立的展览。莫内挑选了五幅作品展出，其中一幅画的是他的故乡利哈佛，莫内给了这幅画一个日后震惊世界的名字，《印象・日出》（Impression, Sunrise）。
除了得到相同流派艺术家的拍案叫绝，这幅作品还引起了当时学院派的尖锐责难，艺评人 Louis Leroy 在报章《Le Charivari》发表了一篇题为 〈Exhibition of the Impressionists〉（印象派画家的展览），他称莫内的画是“一堆对风景的印象拼凑在一起”，而不是正经的风景作品，甚至连“墙纸的草图也要比这海景完整”。（原句：A preliminary drawing for a wallpaper pattern is more finished than this seascape.） 面对这些批评，莫内和当时一同举办展览的艺术家悄然地化侮辱为骄傲，自此以后文化界多了“印象派”（Impressionism）这个名字。
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让光和影回到眼睛
印象派的特征在于捕捉光与色的变幻，而该变幻来自瞬间之际肉眼所捕捉到的直观印象。因此印象派艺术家认为从表现光的过程中，就可以实现绘画的一切。印象派艺术的技法原则是“色彩分解”，即运用光谱中的七种纯色作画，在画布上尽量不作混色，只并列纯色，让观者凭自己的视觉调合其他颜色来。
印象派的画作大多都以山水、田园与自然风光为题，因为唯有在自然景色中才能最真切捕捉光的变化；此外印象派的作品大多没有坚硬和明朗的线条，而只是保持每一种纯色的新鲜和光彩，从而创造出更强烈的发光度。印象派画家的风景画，把过去被忽略的许多现实的色调，变成了主角。
以莫内的《印象・日出》为例，这幅作品的关键字有三个：晨雾、日光与港口。这幅由巴黎玛摩丹莫内美术馆（Musée Marmottan Monet）收藏的巨作，是莫内在利哈佛港的一页黎明日记：在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等颜色组成的色调中，一轮生机勃勃的红日，拖著海水中一缕橙黄色的波光冉冉升起。海水、天空、景物在优雅的笔调中，交错渗透，浑然一体。
近海中的三艘小船，在薄雾中模糊不清，远处的建筑、港口、吊车、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现。这一切都是莫内从一扇窗口看出去的景物而画成的。莫内大胆地用“零乱”的笔触，排列了几种稍显单调的纯色，来展示雾气交融的景象。事实上，如果你有过在日出时看海的经验，会发现海上雾气迷蒙，水中反射著天空和太阳的颜色；岸边的景色也只是隐隐约约，无法看清，所以《印象・日出》中匆促的笔触、模糊不确定的色彩、朦胧的光与一点都不清晰的物体轮廓，是莫内试图将面对日出的经验完完整整记录下来的“印象”，是日出那一瞬间的真实感受，但凡过去一秒，就不是原景。
莫内其他研究日光的作品：
有水、有光、有画架
水与莫内的生活联系紧密，从他跟布丹开始学画时，莫内就跟水结下了深厚的情结。莫内认为水中映出的世界、色彩比人想像出来的更具魅力，更有助于他培养对光与色的敏锐感觉。“光线是绘画的主宰，他是光的画家”可说是对莫内最中肯的评价。莫内更关心物体上的色彩而不是物体本身，在《印象・日出》中，我们可以感受到太阳在一个多雾的早晨徐徐而升时，那暂时朦胧而娇柔的海在晨曦的笼罩下，呈现出橙黄或淡紫色，天空的微红被各种色块所渲染；长短不一、大胆而凌乱的笔触展现出雾气交融的景象。
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莫内在视觉观察方面更是一个富有创造力的天才。他善于从光与色的相互关系中，找到最适于表现光与色的明度差别。他把物体、水和天空，组成近景、远景、中景浑然一体的画面效果。虽然印象主义在当时被学院派嗤之以鼻，但这不等于莫内放弃了写实。他忠实于自然景象中的一切，注重户外写生，只不过并非依靠线条，他的画更强调自然光，否定固有色，因为物体的色彩依赖于光的反射，色彩随光线而变化。
对于自然风景的追求，使得莫内不能如传统学院派画家一样坐在室内，凭记忆来白描风景，他要最直接地感受四时变化、光影差异。莫内画风的另一特点就是直接在户外的日光下作画，即外光派（法文：en plein air），哪里有光线与美景，莫内就会带著他的画架到哪里，为了不停捕捉景色光影的交替，他更会一次带许多画架同时摆设，将不同时间的光影良景拼接成画，这也是所谓的“连作法”。
睡莲与莫内花园
莫内下半生的四十年，一直居住于吉维尼（Giverny）的大屋，这个巴黎邻郊的小镇美丽而宁静，成为莫内画作的灵感泉源。晚年莫内视力衰褪，他投放最后的生命到一系列的《睡莲》巨幅画作上。这批画作虽在尺吋上大有鲁本斯（Peter Paul Rubens）之势，但其表现出的不是巴洛克时期狂放的生命力，而是一种淼淼地流动著的静默。莫内去世后，他于吉维尼的故居与莲花池，成为吉维尼印象派博物馆（Musée des impressionnismes Giverny），其中的庭园一般被人称作“莫内花园”。莫内巨幅的睡莲与大屋、花园都难以搬运、外借，对于身在香港的我们，想一睹莫内的风采，可以到访日本当代建筑大师安藤忠雄于直岛所建的地中美术馆。馆内除了常设一个“莫内房间”永久收藏五幅莫内的《睡莲》系列画作外，从山上漫步到地中美术馆的路上，还模仿“莫内花园”造了一条有莲花池的小径。
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